Manga

Mit „Can You Kiss Me First?“ (お前のほうからキスしてくれよ) bringt TOKYOPOP einen Boys-Love‑Einzelband nach Deutschland, der sich leise, warm und gleichzeitig überraschend intensiv entfaltet. Geschrieben und gezeichnet wurde die Geschichte von Yamayade, deren Stil sich klar im modernen BL verortet: sauber, emotional lesbar, mit feinen Details, die jede Szene tragen, ohne sich aufzudrängen. Der Band richtet sich offiziell an Leser*innen ab 16 Jahren, bewegt sich aber inhaltlich und visuell in einem erwachsenen Rahmen, ohne je die Grenze des guten Geschmacks zu überschreiten.

Was euch erwartet, ist eine Mischung aus Romance, Drama, Humor und einem Hauch Erotik — immer stilvoll, immer charakterzentriert. Und genau das macht diesen Einzelband so spannend für alle, die Boys-Love nicht nur konsumieren, sondern fühlen wollen.

Die Geschichte von „Can You Kiss Me First?“

Im Mittelpunkt stehen Eito Kanda und Isao Ueno, zwei Kollegen, die nach außen hin kaum unterschiedlicher wirken könnten. Seit Ueno in die Buchhaltung gewechselt ist, zeigt er sich streng, fast schon unnahbar — besonders gegenüber Kanda, der immer wieder Fehler in seinen Abrechnungen macht. In der Firma wird gemunkelt, Kanda mache das absichtlich, nur um Ueno zu provozieren.

Doch was niemand weiß: Die beiden kennen sich viel besser, als es den Anschein hat. Kanda hat eine Zeit lang bei Ueno gewohnt, nachdem ein Wasserschaden seine eigene Wohnung unbewohnbar gemacht hatte. Seitdem taucht er regelmäßig bei Ueno auf, läuft nach dem Duschen auch mal nackt durch die Wohnung und verhält sich so selbstverständlich, dass Außenstehende niemals auf die Idee kämen, wie vertraut die beiden wirklich miteinander sind.

Ueno, der offen schwul ist, versucht diese Nähe nach außen hin herunterzuspielen. Er will Kanda schützen, will Gerüchte vermeiden und hält deshalb Distanz — zumindest vor anderen. Innerlich sieht es ganz anders aus: Er ist längst in Kanda verliebt. Doch eine unbedachte Aussage aus der Vergangenheit verfolgt ihn bis heute. Damals sagte er Kanda, dass dieser nicht sein Typ sei. Was als Selbstschutz gedacht war, hat tiefe Spuren hinterlassen.

Kanda, offiziell hetero, trägt diese Worte noch immer mit sich herum. Er hält sich zurück, obwohl seine Gefühle für Ueno längst intensiver geworden sind. Zwischen ihnen steht nicht nur ein Missverständnis, sondern auch die Angst, ihre Freundschaft öffentlich zu machen. Die beiden leben eng beieinander, teilen Alltag, Nähe und Momente, die eigentlich schon alles sagen — und doch fehlt der Mut, den entscheidenden Schritt zu gehen.

Der Manga erzählt diese Dynamik mit viel Feingefühl. Es geht um zwei Männer, die sich lieben, aber durch alte Entscheidungen und unausgesprochene Gefühle voneinander getrennt bleiben. Die Spannung entsteht nicht durch große Dramen, sondern durch kleine Gesten, Blicke und die Frage, ob einer von ihnen endlich den Mut findet, den ersten Schritt zu machen.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Can You Kiss Me First?“ lebt von emotionaler Ehrlichkeit. Die Figuren wirken authentisch, verletzlich und gleichzeitig stark in ihren Entscheidungen. Ihr begleitet zwei Menschen, die sich im Alltag verlieren und wiederfinden, die Nähe zulassen und gleichzeitig Angst davor haben.

Besonders stark ist die Art, wie Yamayade die Beziehung zwischen Kanda und Ueno inszeniert. Die erotischen Szenen sind visuell eindrucksvoll, aber nie plump. Sie unterstützen die Charakterentwicklung, statt sie zu überdecken. Für Fans von Boys-Love, die Wert auf Atmosphäre, Spannung und glaubwürdige Emotionen legen, ist das ein echtes Highlight.

Auch zeichnerisch überzeugt der Band. Die Panels sind klar strukturiert, die Figuren fein ausgearbeitet, und die Mimik trägt viele der emotionalen Momente. Man spürt, dass Yamayade genau weiß, wie man Stille, Nähe und unausgesprochene Gefühle visuell transportiert.

Spannend ist auch der Hintergrund des Werks: Ursprünglich digital auf Renta veröffentlicht, später als Einzelband bei Takeshobo erschienen, hat der Manga beim BL-Award 2025 gleich mehrfach abgeräumt — ein deutlicher Hinweis darauf, wie stark die Geschichte in der Community eingeschlagen hat.

Wenn ihr Romance liebt, die nicht laut sein muss, um zu berühren, wenn ihr Charaktere mögt, die Fehler machen, wachsen und sich langsam öffnen, dann ist dieser Einzelband genau das Richtige für euch.

Fazit

„Can You Kiss Me First?“ ist ein Boys-Love‑Titel, der euch mit ruhigen Tönen einfängt und mit emotionaler Tiefe überrascht. Er zeigt, wie kompliziert Nähe sein kann, wenn man sich selbst im Weg steht — und wie schön es ist, wenn zwei Menschen endlich den Mut finden, ehrlich zueinander zu sein.

Was denkt ihr: Ist es schwieriger, den ersten Schritt zu machen oder zuzugeben, dass man ihn sich wünscht? Teilt eure Meinung gern in den Kommentaren — wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr düstere Fantasy liebt, in der Hexen, Assassinen und politische Machtspiele aufeinanderprallen, dann ist „Witch and Hound“ (魔女と猟犬) genau der Titel, der euch fesseln wird. Die Serie von Rainy Kamitsuki und Lam, veröffentlicht bei EGMONT, verbindet mittelalterliche Atmosphäre mit Magie, Intrigen und Figuren, die moralisch alles andere als eindeutig sind.

Der Zeichenstil ist solide, atmosphärisch und unterstützt die düstere Stimmung, ohne sich in Details zu verlieren. Perfekt für alle, die Fantasy mit politischem Einschlag und gefährlichen Allianzen mögen.

Die Geschichte von Witch and Hound

Piggy, eine junge Zofe in einem Adelshaus, führt ein ruhiges, unscheinbares Leben – bis eines Tages ein neues Mädchen ins Haus gebracht wird: Noa. Sie soll ebenfalls als Zofe arbeiten, doch ihre Schönheit sorgt sofort für Gerüchte. Manche behaupten, sie sei eine Hexe.

Piggy erwischt Noa dabei, wie sie Milch und Brot aus dem Haus schmuggelt. Doch statt etwas Verbotenes zu tun, füttert Noa lediglich streunende Katzen. Piggy verspricht, sie nicht zu verraten – ein Versprechen, das ihr Leben verändern wird.

Denn die Hausherrin plant einen Hexenprozess. In dieser Welt gilt: Hexen empfinden keinen Schmerz. Also wird Noa gefoltert, um ihre Schuld zu beweisen. Magier erscheinen, um den Prozess zu überwachen. Doch dann geschieht das Unfassbare: Noa hat den Platz mit der Hausherrin getauscht.

Im darauffolgenden Chaos tötet Noa die Magier und mehrere Bewohner des Hauses. Piggy überlebt – und wird zur einzigen Zeugin eines Massakers, das das Machtgefüge der Region erschüttert.

Der Bericht erreicht Fürst Bud Grace, der sofort erkennt, dass sein Reich magische Unterstützung braucht. Sein Fürstentum ist militärisch stark, aber das benachbarte Reich Amelia verfügt über mächtige Magier. Ohne eigene magische Kräfte ist Bud Grace dem Untergang geweiht.

Das Königreich Löwe hat Noa inzwischen gefangen genommen. Bud Grace will sie für sein Reich gewinnen – als Waffe, als Schutz, als Machtfaktor. Dafür rekrutiert er Rollo Duvel, einen Assassinen der Gilde Black Hound. Ironischerweise ist diese Gilde darauf spezialisiert, Hexen zu jagen. Nun soll Rollo eine Hexe beschützen.

Gemeinsam mit Bud Grace und dessen Tochter Delirium reist Rollo nach Löwe, um Noa abzuholen. Doch plötzlich weigert sich das Königreich, sie auszuliefern. Die Lage spitzt sich zu, und Bud Grace erteilt Rollo einen Auftrag, der alles verändern könnte.

Der Manga entfaltet eine Welt, in der kleine Reiche ums Überleben kämpfen, während ein mächtiges Großreich das Monopol auf Magier besitzt. Um nicht ausgelöscht zu werden, bleibt den Schwächeren nur eines: sich mit den gefürchteten Hexen zu verbünden. Und ein Assassine, der sein Leben lang Hexen gejagt hat, muss nun eine von ihnen beschützen.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Witch and Hound“ ist eine düstere, politisch aufgeladene Fantasy‑Serie, die euch sofort in ihren Bann zieht. Die Welt ist rau, ungerecht und voller Machtspiele. Nichts ist schwarz‑weiß, und jede Figur trägt ihre eigenen Schatten mit sich herum.

Piggy ist eine stille Beobachterin, die plötzlich in Ereignisse hineingezogen wird, die weit über ihre Vorstellungskraft hinausgehen. Ihre Freundschaft zu Noa ist zart, gefährlich und emotional – ein Lichtpunkt in einer brutalen Welt.

Noa ist faszinierend: schön, gefährlich, geheimnisvoll. Sie ist keine typische Heldin, sondern eine Figur, die zwischen Opfer und Bedrohung schwankt. Ihre Kräfte sind gewaltig, ihre Moral unklar, und genau das macht sie so spannend.

Rollo Duvel ist ein Assassine, der sein Leben lang Hexen gejagt hat – und nun eine beschützen soll. Seine innere Zerrissenheit, seine Loyalität und seine Vergangenheit machen ihn zu einer der interessantesten Figuren des Mangas.

Die politischen Konflikte sind ein zentraler Bestandteil der Handlung. Kleine Reiche kämpfen ums Überleben, während ein übermächtiges Großreich seine Magier als Waffe einsetzt. Die Frage, wie weit man gehen darf, um sein Volk zu schützen, zieht sich wie ein roter Faden durch die Geschichte.

Der Zeichenstil ist solide und unterstützt die düstere Atmosphäre. Die Action ist klar inszeniert, die Charaktere wirken ausdrucksstark, und die Welt fühlt sich glaubwürdig an. Fans von dunkler Fantasy werden sich hier sofort zuhause fühlen.

Fazit

„Witch and Hound“ ist eine spannende, düstere Fantasy‑Serie voller Intrigen, Magie und moralischer Grauzonen. Die Figuren sind komplex, die Welt ist gefährlich, und die Handlung entwickelt sich schnell zu einem politischen Machtspiel, das euch nicht loslässt.

Wenn ihr Fantasy mögt, die nicht nur episch, sondern auch emotional und politisch ist, dann solltet ihr diesem Manga unbedingt eine Chance geben.

Wie steht ihr zu Geschichten, in denen Hexen und Assassinen gezwungen sind, zusammenzuarbeiten? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr Geschichten sucht, die erwachsen, roh, emotional und gleichzeitig überraschend feinfühlig sind, dann ist „Shinjuku 69 Heaven“ (新宿69へヴン) von Unohana ein Titel, der euch sofort packt. Der Manga erscheint bei HAYABUSA und spielt mitten im pulsierenden Kabukichō – einem Ort, an dem Neonlicht, Sehnsüchte, Einsamkeit und menschliche Abgründe dicht beieinanderliegen.

Unohana verbindet Rotlicht‑Atmosphäre mit psychologischer Tiefe, gebrochenen Figuren und einer Beziehung, die sich langsam, aber intensiv entfaltet. Der Zeichenstil ist wechselhaft, aber genau das passt zur Stimmung: mal rau, mal zart, mal direkt – immer emotional.

Die Geschichte von Shinjuku 69 Heaven

Keita Kutani ist ein zweitklassiger Journalist, der über Clubs, Bars und das Nachtleben von Kabukichō schreibt. Er kennt fast jede Ecke des Vergnügungsviertels – bis auf einen Bereich: die Gay‑Clubs. Aus reiner Neugier und beruflichem Ehrgeiz beschließt er, auch diesen Teil der Szene zu erkunden.

Dort trifft er auf Hiromu Sakuma, der sich als 20‑jähriger Masseur ausgibt. Keita lädt ihn für eine Massage aufs Zimmer ein, ohne zu ahnen, wie sehr diese Begegnung sein Leben verändern wird. Hiromu schafft es, Keita mit seiner ruhigen Art zu entspannen, und die Massage tut dem überarbeiteten Journalisten so gut, dass er sich völlig fallen lässt.

Zu seiner eigenen Überraschung hat Keita keinerlei Probleme damit, mit einem Mann zu schlafen. Der Artikel, den er anschließend schreibt, wird einer seiner besten – ernst, reflektiert, ungewohnt tief. Doch obwohl er nie zweimal über denselben Club schreibt, geht Hiromu ihm nicht mehr aus dem Kopf. Dieses sehnsüchtige Gesicht beim Abschied verfolgt ihn.

Doch das Leben geht weiter. Sein Redakteur schickt ihn in ein neues Projekt: Drei Monate in einer WG mit einem fremden Mann, inklusive Aufgaben, die die Teilnehmer erfüllen müssen. Ein Experiment, das Nähe, Konflikte und intime Einblicke verspricht.

Als Keita seinen WG‑Partner trifft, trifft ihn der Schock: Es ist Hiromu.

Doch Hiromu behauptet, ihn nicht zu kennen. Außerdem ist er nicht 20, sondern 29 – und sein Job als „Masseur“ war nur die halbe Wahrheit. Als sie endlich allein sind, fällt die Maske: Hiromu erinnert sich sehr gut an Keita. Er kennt sogar dessen Pseudonym als Autor.

Trotzdem zieht Hiromu eine klare Grenze: Solange sie zusammenleben, will er nichts mit Keita anfangen. Zu sehr erinnert ihn das an seine Arbeit, an die Rolle, die er im Rotlichtmilieu spielen muss.

Keita ist das recht – zumindest sagt er sich das. Er findet Hiromu niedlich, aber eigentlich steht er auf Frauen. Doch als er eine Prostituierte besucht, merkt er, dass er nur an Hiromu denken kann. Die Nähe, die sie teilen, die unausgesprochenen Gefühle, die Verletzlichkeit hinter Hiromus Fassade – all das lässt ihn nicht los.

Der Manga erzählt von zwei Männern, die sich in einem Umfeld begegnen, das von Rollen, Masken und Überlebensstrategien geprägt ist. Hiromu verkauft seinen Körper, um Schulden zu begleichen. Keita schreibt über das Rotlichtmilieu, ohne zu merken, wie sehr es ihn selbst verändert.

Und plötzlich müssen beide drei Monate lang miteinander leben – mit all den unausgesprochenen Spannungen, Verletzungen und Sehnsüchten, die zwischen ihnen stehen.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Shinjuku 69 Heaven“ ist kein süßer Boys‑Love‑Titel. Es ist eine erwachsene, ehrliche und manchmal schmerzhafte Geschichte über Menschen, die gelernt haben, ihre Gefühle zu verstecken. Genau das macht den Manga so intensiv.

Die Figuren sind komplex und tragen ihre eigenen Narben:

Keita – zynisch, überarbeitet, neugierig, aber emotional völlig unvorbereitet auf das, was Hiromu in ihm auslöst. Er ist kein Held, kein Retter – sondern ein Mann, der sich selbst neu kennenlernen muss.

Hiromu – charmant, professionell, aber innerlich zerrissen. Er lebt im Rotlichtmilieu, weil er keine andere Wahl hat. Hinter seiner Maske steckt ein Mensch, der Nähe will, aber Angst davor hat.

Die Geschichte lebt von Momenten, in denen die Fassaden bröckeln. Von Blicken, die mehr sagen als Worte. Von Situationen, die gleichzeitig erotisch, verletzlich und tragisch sind.

Der Manga zeigt, wie unterschiedlich Menschen mit Schmerz, Scham, Sehnsucht und Verantwortung umgehen. Es geht um Entscheidungen, Konsequenzen und darum, dass man manchmal jemanden braucht, der einen aus dem eigenen Schneckenhaus lockt.

Die erotischen Szenen sind unzensiert, aber nicht selbstzweckhaft. Sie sind emotional aufgeladen, visuell eindrucksvoll und tragen zur Charakterentwicklung bei. Gleichzeitig gibt es schräge Details, humorvolle Momente und Nebenfiguren, die neugierig machen.

Wer süße, leichte Romance sucht, ist hier falsch.

Wer erwachsene, tiefgründige Boys‑Love‑Geschichten liebt, wird hier fündig.

Fazit

„Shinjuku 69 Heaven“ ist ein intensiver, erwachsener Boys‑Love‑Manga, der euch mitten ins Herz von Kabukichō führt – mit all seinen Lichtern, Schatten und menschlichen Abgründen. Die Beziehung zwischen Keita und Hiromu ist komplex, langsam, emotional und voller Spannung.

Wenn ihr Charaktere mögt, die man Schicht für Schicht kennenlernen muss, und Geschichten, die nicht beschönigen, sondern ehrlich erzählen, dann ist dieser Manga ein echtes Highlight.

Wie steht ihr zu BL‑Titeln, die im Rotlichtmilieu spielen? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr Romance‑Manga liebt, die nicht nur Herzklopfen, sondern auch echte Lebensentscheidungen, Verantwortung und persönliche Entwicklung zeigen, dann ist „Be Sweet to Me!“ (甘くなるまで待てません) von Maki Enjoji genau der richtige Titel für euch. Die Serie erscheint bei TOKYOPOP und verbindet klassische Josei‑Romantik mit beruflichen Herausforderungen, Familienpflichten und einer Protagonistin, die über sich hinauswachsen muss.

Der Zeichenstil ist typisch Enjoji: elegant, emotional und mit einem Hauch erwachsener Sinnlichkeit, ohne je zu explizit zu werden. Perfekt für alle, die Romance mit Tiefe suchen.

Die Geschichte von Be Sweet to Me!

Mei Asakura arbeitet eigentlich als Sekretärin bei der Mitsumine Handelsgesellschaft. Ihr Leben ist geordnet, ihr Job läuft gut, und ihr Freund Masato hat ihr gerade einen Heiratsantrag gemacht. Alles scheint in ruhigen Bahnen zu verlaufen – bis ihr Bruder sie plötzlich zu sich ruft.

Er ist der Geschäftsführer des Familienunternehmens „Asakurado“, das ihr Großvater aufgebaut hat. Doch gesundheitlich schafft er es nicht mehr, den Betrieb zu führen. Da ihr anderer Bruder verschwunden ist und ihre Schwester gerade eine Familie gegründet hat, soll Mei nun das Geschäft übernehmen.
Für Mei bricht eine Welt zusammen.

Sie fühlt sich überfordert, unsicher und völlig unvorbereitet. Und weil sie Masato nicht belasten will, erzählt sie ihm nichts von ihrer neuen Aufgabe.

In dieser turbulenten Phase begegnet sie Azuma, einem Geschäftspartner der Mitsumine Handelsgesellschaft. Er wirkt charmant, aufmerksam und taucht plötzlich überall dort auf, wo Mei ist. Er rät ihr, ehrlich mit Masato zu sprechen – doch als Masato sie mit Azuma sieht, reagiert er eifersüchtig.

Mei nimmt Masato schließlich mit ins Krankenhaus, um ihm alles zu erklären. Doch statt ihres Bruders steht Azuma im Krankenzimmer. Und dann kommt die Wahrheit ans Licht: Azuma heißt eigentlich Kaede Nagumo und wurde von ihrem Bruder beauftragt, Mei zu beobachten und zu unterstützen.

Als Nagumo erwähnt, dass Mei die Geschäftsführung übernehmen soll, zeigt Masato plötzlich überschwängliche Begeisterung. Doch Mei erkennt schnell, dass seine Freude gespielt ist. Er wollte sie nur wegen ihres Familienvermögens heiraten. Die Trennung ist schmerzhaft, aber notwendig.

Von diesem Moment an tritt Nagumo in Meis Leben – nicht als Aufpasser, sondern als Mentor. Er bringt ihr alles bei, was eine Geschäftsführerin wissen muss: Personalführung, Finanzen, Verantwortung, Kommunikation. Mei will nicht nur das Unternehmen retten, sondern auch das Vertrauen der Angestellten gewinnen, was sich als schwieriger erweist, als sie dachte.

Durch die intensive Zusammenarbeit kommen sich Mei und Nagumo langsam näher. Zwischen ihnen entsteht eine Verbindung, die auf Respekt, Vertrauen und gemeinsamen Zielen basiert. Mei wächst über sich hinaus, findet ihren Platz im Familienbetrieb und beginnt zu verstehen, was sie wirklich will – beruflich wie privat.

Der Manga erzählt die Geschichte einer Frau, die in eine Rolle gedrängt wird, die sie sich nie zugetraut hätte. Doch mit Unterstützung, Mut und harter Arbeit findet sie ihren Weg – und vielleicht auch eine neue Liebe.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Be Sweet to Me!“ ist ein klassischer Josei‑Titel, der zeigt, wie Liebe und Beruf miteinander kollidieren können – und wie man daran wächst. Die Geschichte ist emotional, aber nicht kitschig. Sie zeigt die Unsicherheiten einer Frau, die plötzlich Verantwortung für ein ganzes Unternehmen trägt, und gleichzeitig mit einer gescheiterten Beziehung und neuen Gefühlen konfrontiert wird.

Mei ist eine sympathische, nachvollziehbare Protagonistin. Sie ist nicht perfekt, sie zweifelt, sie macht Fehler – und genau das macht sie so menschlich. Ihr Weg vom unsicheren Mädchen zur selbstbewussten Geschäftsführerin ist inspirierend und authentisch.

Nagumo ist ein spannender Gegenpol: ruhig, kompetent, manchmal streng, aber immer unterstützend. Seine Rolle als Mentor und möglicher Love Interest sorgt für eine angenehme Mischung aus beruflicher Dynamik und romantischer Spannung.

Der Manga zeigt außerdem, wie schwierig es sein kann, ein Familienunternehmen zu übernehmen – besonders, wenn man plötzlich im Mittelpunkt steht und alle Augen auf einen gerichtet sind. Die Beziehung zu den Angestellten, die Erwartungen der Familie und die Verantwortung für die Zukunft des Betriebs sind zentrale Themen, die dem Manga Tiefe verleihen.

Der Zeichenstil ist elegant und erwachsen. Emotionale Szenen sind feinfühlig umgesetzt, romantische Momente wirken warm und nicht übertrieben. Fans von Maki Enjoji wissen, was sie erwartet: eine Mischung aus Humor, Herz und einer Prise sinnlicher Spannung, die nie zu explizit wird.

Fazit

„Be Sweet to Me!“ ist eine warmherzige, erwachsene Romance über Verantwortung, Selbstfindung und neue Liebe. Die Geschichte zeigt, wie schwer es sein kann, plötzlich im Mittelpunkt eines Familienunternehmens zu stehen – und wie schön es ist, jemanden an der Seite zu haben, der an einen glaubt.

Wenn ihr Romance mit beruflichem Fokus, glaubwürdigen Charakteren und emotionaler Entwicklung mögt, dann ist dieser Manga ein echtes Highlight.

Wie steht ihr zu Romance‑Manga, in denen Karriere und Liebe miteinander kollidieren? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr dachtet, dass die Welt von Overlord nach all den Staffeln, Light Novels und Manga‑Adaptionen nichts Neues mehr zu bieten hat, dann unterschätzt ihr „Overlord New World“ gewaltig. Dieses Sequel knüpft direkt an die bekannten Ereignisse an und erweitert das Universum um politische Intrigen, neue Machtspiele und eine überraschend ruhige, fast nachdenkliche Seite von Momonga.

Der Manga erscheint bei CARLSEN und bringt alles mit, was Fans an Overlord lieben: düstere Fantasy, komplexe Figuren, moralische Grauzonen und eine Welt, die sich ständig weiterentwickelt. Der Zeichenstil von Matsukitou ist klar, dynamisch und fängt sowohl die epischen als auch die humorvollen Momente perfekt ein.

Die Geschichte von Overlord New World

Satoru Suzuki, gefangen im Körper seines In‑Game‑Charakters Momonga, hat das Königreich Ainz Ooal Gown gegründet. Seine Todesritter patrouillieren, schützen die Bewohner und sorgen für Ordnung. Eigentlich könnte Momonga zufrieden sein – doch genau das Gegenteil ist der Fall.
Denn die Todesritter sind zu effektiv.

Die Abenteurergilde hat keine Aufträge mehr für ihn. Keine Monster, keine Erkundungen, keine Herausforderungen. Und niemand außerhalb der Region weiß überhaupt, dass sein Königreich existiert. Für einen Herrscher, der sich Anerkennung und Respekt seiner ehemaligen Gildenkameraden wünscht, ist das ein Problem.

Also sucht Momonga den Leiter der Abenteurergilde in E‑Rantel auf: Pluton Ainzach. Er schlägt vor, eine Ebene und ein Gebirge zu erforschen, Monster zu katalogisieren und Heilkräuter zu sammeln. Im Gegenzug würde das Königreich Trainingshallen bauen lassen. Ainzach ist hin‑ und hergerissen – die Gilde ist unabhängig, aber das Angebot ist zu verlockend, um es einfach abzulehnen. Er will Rücksprache mit Theo Lachesil, dem Leiter der Magiergilde, halten.

Währenddessen brodeln die Intrigen.

Im Re‑Estize‑Königreich spielt Prinzessin Rerneer ihre Rolle als naive, unschuldige Adlige perfekt – doch hinter ihrer Fassade arbeitet sie an Plänen, die weitreichende Folgen haben könnten. Ihr Bruder, der König, sieht das Reich Ainz Ooal Gown als Bedrohung, da es Teile seines Landes besetzt hält.

Und ausgerechnet in dieser angespannten Phase schickt Momonga Albedo ins Re‑Estize‑Königreich – ein Schritt, der politische Wellen schlägt und die Lage weiter anheizt.

Der Manga zeigt eindrucksvoll, wie fragil die Machtverhältnisse sind. Ainz Ooal Gown ist neu gegründet, seine Bewohner sind Dämonen und Halbmenschen, und viele Länder betrachten das Reich mit Misstrauen oder Angst. Momonga selbst ist gelangweilt, aber gleichzeitig entschlossen, sein Königreich zu einem sicheren Ort zu machen – nicht aus reiner Güte, sondern aus dem Wunsch heraus, dass seine Gildenkameraden stolz auf ihn wären, falls sie jemals zurückkehren.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Overlord New World“ ist ein Sequel, das sich nicht damit zufriedengibt, bekannte Muster zu wiederholen. Stattdessen vertieft es die politischen Strukturen, erweitert die Welt und zeigt Momonga in einer neuen Rolle: als Herrscher, der zwischen Langeweile, Verantwortung und strategischem Denken schwankt.

Die Dark‑Fantasy‑Elemente sind gewohnt intensiv.

Die moralischen Grauzonen sind breit.

Und die Entscheidungen der Figuren sind oft brutal, aber nachvollziehbar.

Besonders spannend ist, wie der Manga die Themen Herrschaft, Unterwerfung, Diplomatie und Machtbalance behandelt. Es geht nicht nur um Kämpfe, sondern um langfristige Strategien, politische Spannungen und die Frage, wie man ein Reich führt, das von Dämonen bewohnt wird und gleichzeitig Akzeptanz sucht.

Der Textanteil ist höher als in vielen anderen Manga, was der Komplexität der Handlung geschuldet ist. Die Vielzahl an Figuren, Fraktionen und Interessen sorgt dafür, dass ihr aufmerksam lesen müsst – aber genau das macht Overlord aus.

Die Farbseiten am Anfang sind ein Highlight und bieten einen atmosphärischen Einstieg. Die Zusammenfassungen am Ende helfen, den Überblick zu behalten und machen das Lesen noch angenehmer.

Natürlich dürfen auch die typischen Overlord‑Momente nicht fehlen: Albedos peinliche Szenen, Momongas übermächtige Stärke, humorvolle Einlagen und Situationen, die gleichzeitig zum Lachen und zum Verzweifeln bringen.

Für Fans ist dieser Band ein absolutes Muss.

Für Neueinsteiger ein spannender, aber anspruchsvoller Einstieg in eine der komplexesten Dark‑Fantasy‑Reihen überhaupt.

Fazit

„Overlord New World“ ist ein würdiges Sequel, das die Welt von Overlord erweitert, vertieft und gleichzeitig neue Facetten zeigt. Intrigen, Machtspiele, politische Spannungen und humorvolle Momente machen den Manga zu einem intensiven Leseerlebnis.

Wenn ihr Overlord liebt oder Dark Fantasy mit komplexen Strukturen sucht, dann führt kein Weg an diesem Titel vorbei.

Wie steht ihr zu politischen Fantasy‑Welten? Und welche Figur aus Overlord fasziniert euch am meisten? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ein Manga‑Klassiker nach Jahrzehnten wieder auftaucht, dann spürt man sofort diese besondere Mischung aus Nostalgie, Ehrfurcht und Neugier. Genau das passiert bei „Die Königin der 1000 Jahre“ (新竹取物語 1000年女王) von Leiji Matsumoto, einem der prägendsten Manga‑ und Anime‑Schöpfer aller Zeiten. Bekannt durch Werke wie „Captain Harlock“ oder „Star Blazers“, hat Matsumoto ganze Generationen geprägt – und nun kehrt einer seiner bedeutendsten Titel als Neuauflage zu uns zurück.

Veröffentlicht wird die Serie von CARLSEN, und sie ist ein Muss für alle, die tiefgründige Science‑Fiction, komplexe Erzählstrukturen und zeitlose Klassiker lieben.

Die Geschichte von Die Königin der 1000 Jahre

Wir schreiben das Jahr 1999.

Der 14‑jährige Hajime lebt in Tokio und verbringt jede freie Minute mit seinem Teleskop. Die Sterne sind sein Rückzugsort – ein Geschenk seines Vaters, das ihm Halt gibt. Doch eines Nachts entdeckt er etwas, das sein Leben für immer verändern wird: einen unbekannten Planeten, der sich der Erde gefährlich nähert.

Die Prognose ist erschütternd:

Am 9. September um 00:09:09 Uhr soll der Planet mit der Erde kollidieren.

Von diesem Moment an beginnt Hajimes Welt zu zerbrechen.

Kurz darauf rettet er eine Katze und begegnet dabei der geheimnisvollen Yayoi Yukino, der Tochter eines Nudelrestaurantbesitzers. Sie ist freundlich, ruhig und strahlt etwas aus, das Hajime sofort fesselt. Die beiden laufen sich immer wieder über den Weg – nicht nur zufällig, wie sich später herausstellt. Yayoi arbeitet in der Sternwarte seines Onkels, Professor Amamori, und genau dort muss Hajime fortan leben. Seine Eltern sind bei einer mysteriösen Explosion ums Leben gekommen, und niemand weiß, warum.

Während Hajime versucht, den Verlust zu verarbeiten, erkennt er, dass der Himmelskörper, den er entdeckt hat, tatsächlich Kurs auf die Erde nimmt. Die Menschheit scheint machtlos. Gleichzeitig taucht eine Untergrundorganisation auf: Die Diebe der tausend Jahre. Sie kämpfen gegen eine mysteriöse Gestalt, die sie „Die Königin der 1000 Jahre“ nennen.

Was hat es mit dieser Königin auf sich?

Warum scheint Yayoi mehr über Hajimes Vater zu wissen, als sie zugibt?

Und was hat die Organisation mit dem Tod seiner Eltern zu tun?

Je tiefer Hajime in die Ereignisse hineingezogen wird, desto klarer wird:

Die Wahrheit ist größer, gefährlicher und älter, als er sich jemals hätte vorstellen können.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Die Königin der 1000 Jahre“ ist ein Werk, das man nicht einfach nebenbei liest. Es ist ein Stück Manga‑Geschichte – komplex, vielschichtig und voller Themen, die auch heute noch relevant sind: Machtstrukturen, Schicksal, Verantwortung, Verlust und die Frage, wie weit Menschen gehen, um ihre Welt zu retten.

Leiji Matsumoto war schon immer ein Meister darin, große Science‑Fiction‑Visionen mit emotionalen, menschlichen Geschichten zu verbinden. Genau das spürt ihr hier auf jeder Seite. Hajimes Reise ist nicht nur ein Abenteuer, sondern auch ein Coming‑of‑Age‑Drama, das zeigt, wie ein Junge unter extremem Druck wächst, zweifelt und trotzdem weitergeht.

Die Figur Yayoi ist ein weiteres Highlight. Sie wirkt sanft und geheimnisvoll, doch hinter ihrer Fassade steckt eine enorme Bedeutung für die gesamte Handlung. Ihre Verbindung zu Hajime ist warm, aber gleichzeitig von Geheimnissen durchzogen – ein klassisches Matsumoto‑Motiv, das Fans sofort wiedererkennen.

Der Zeichenstil ist typisch für Matsumoto:

markante Linien, ikonische Augen, klare Bildsprache und ein nostalgischer Charme, der heute fast schon einzigartig wirkt. Die Panels tragen diese Mischung aus Melancholie und epischer Größe, die seine Werke so unverwechselbar macht.

Besonders spannend ist, wie der Manga die Atmosphäre der späten 70er und frühen 80er einfängt – eine Zeit, in der Science‑Fiction düsterer, philosophischer und komplexer erzählt wurde. Genau deshalb hat die Serie bis heute eine treue Fangemeinde. Sie fordert Aufmerksamkeit, belohnt aber mit einer Geschichte, die sich tief einprägt.

Für neue Leser ist die Neuauflage eine perfekte Gelegenheit, einen Klassiker zu entdecken, der die Anime‑ und Manga‑Landschaft nachhaltig geprägt hat. Für langjährige Fans ist es ein emotionales Wiedersehen mit einer Welt, die man nie ganz vergessen hat.

Fazit

„Die Königin der 1000 Jahre“ ist ein zeitloser Science‑Fiction‑Klassiker, der auch heute noch beeindruckt. Die Mischung aus kosmischer Bedrohung, mysteriösen Organisationen, emotionalen Schicksalen und Matsumotos unverwechselbarem Stil macht die Serie zu einem Werk, das man unbedingt gelesen haben sollte.

Ob ihr nostalgisch zurückblickt oder zum ersten Mal in diese Welt eintaucht – dieser Manga hat das Potenzial, euch lange zu begleiten.

Wie steht ihr zu Neuauflagen alter Klassiker? Und kennt ihr noch weitere Werke von Leiji Matsumoto, die euch geprägt haben? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr sanfte Girls‑Love‑Geschichten liebt, die nicht auf Drama um jeden Preis setzen, sondern auf echte Gefühle, kleine Unsicherheiten und den Zauber des Alltags, dann ist „Yamada und Kase‑san“ (山田と加瀬さん。) genau euer Wohlfühl‑Manga. Die Serie von Hiromi Takashima, veröffentlicht bei Egmont, begleitet zwei junge Frauen, die nach der Schule ihren eigenen Weg gehen – und trotzdem versuchen, ihre Beziehung lebendig zu halten.

Der Zeichenstil ist weich, warm und voller kleiner Details, die jede Szene liebevoll wirken lassen. Die Serie ist ideal für alle, die ruhige Romance, Uni‑Slice‑of‑Life und authentische Charakterentwicklung mögen.

Die Geschichte von Yamada und Kase‑san

Yui Yamada hat es geschafft: Sie beginnt ihr erstes Jahr an der Kasen Frauenuniversität am Rand von Tokio. Dort studiert sie Landwirtschaft und Gartenbau – ein Traum für sie, denn Pflanzen waren schon immer ihr Ruhepol. Da sie in der Nähe wohnt, übernimmt sie morgens das Bewässern der Gärten und findet schnell Anschluss.

Doch ein Gedanke begleitet sie jeden Tag: Kase.

Ihre Freundin studiert Sport an der Nikkei Universität, mitten in der Stadt. Eine Stunde Bahnfahrt trennt die beiden – und trotzdem macht Yamada sich regelmäßig auf den Weg, um Kase Blumen aus dem Uni‑Garten zu bringen. Für sie ist das nicht nur ein Geschenk, sondern ein Vorwand, um Kase zu sehen, ihre Nähe zu spüren und die Verbindung zwischen ihnen zu halten.

An der Uni lernt Yamada Hana Yoshimura kennen, eine Studentin, die für den Familienbetrieb das Züchten von Blumen studiert. Yamada bewundert sie dafür – und freut sich über die neue Freundschaft. Doch als sie Kase davon erzählt, reagiert diese überraschend eifersüchtig.

Der Grund ist simpel: Hana hat Yamada sofort angeboten, sie beim Vornamen zu nennen. Zwischen Yamada und Kase hingegen herrscht noch immer die höfliche Nachnamen‑Distanz. Für Kase ist das ein kleiner Stich ins Herz – und für Yamada ein Moment, in dem sie merkt, wie viel unausgesprochene Gefühle zwischen ihnen liegen.

Als Yamada Kases Geburtstag planen möchte, wird klar, wie wenig Zeit die beiden in der Vergangenheit wirklich miteinander hatten. In der Schule fiel Kases Geburtstag immer auf eine Veranstaltung, sodass sie ihn nie richtig feiern konnten. Jetzt will Yamada das nachholen – doch bevor es dazu kommt, lädt Hana sie zu einem Treffen ein, das von älteren Semestern organisiert wird, um Erstsemester „kennenzulernen“.

Kase ist alles andere als begeistert.

Die Eifersucht flammt erneut auf, und Yamada muss lernen, dass Nähe zu anderen Menschen in einer Beziehung manchmal Unsicherheiten auslöst – besonders, wenn man sich nicht täglich sieht.

Der Manga zeigt sehr feinfühlig, wie Yamada und Kase versuchen, ihren neuen Alltag zu meistern. Sie leben nicht mehr zusammen, sie haben neue Freundeskreise, neue Routinen und neue Herausforderungen. Die Distanz zwischen ihren Universitäten macht spontane Treffen schwierig, und das hektische Leben in Tokio ist für Yamada eine große Umstellung.

Gleichzeitig spürt man in jeder Szene, wie sehr die beiden aneinander hängen. Ihre Beziehung ist zart, ehrlich und manchmal unbeholfen – genau das macht sie so authentisch.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Yamada und Kase‑san“ ist eine dieser Serien, die euch nicht mit großen Twists überrollt, sondern mit kleinen Momenten berührt. Die Stärke liegt im Alltäglichen: in Gesprächen, Missverständnissen, Eifersucht, Nähe und dem Wunsch, trotz Distanz füreinander da zu sein.

Die Charaktere sind liebevoll gezeichnet.

Yamada ist sanft, schüchtern und voller Herz. Sie liebt Pflanzen, kleine Gesten und die Ruhe des Landlebens.

Kase ist sportlich, selbstbewusst und manchmal etwas ungeschickt im Umgang mit ihren Gefühlen. Ihre Eifersucht wirkt nie toxisch, sondern menschlich – sie zeigt, wie sehr sie Yamada liebt und wie unsicher sie manchmal ist.

Der Zeichenstil von Hiromi Takashima passt perfekt zur Stimmung. Die Panels wirken leicht, warm und emotional. Humorvolle Szenen sind charmant umgesetzt, romantische Momente sind zart und nie übertrieben. Die Serie schafft es, intime Augenblicke jugendfrei und gefühlvoll darzustellen, ohne aufdringlich zu wirken.

neue Freundschaften, neue Umgebungen, unterschiedliche Stundenpläne, lange Wege, kleine Missverständnisse und das Gefühl, manchmal nicht genug Zeit füreinander zu haben.

Genau das macht die Serie so relatable – egal, ob ihr selbst schon einmal eine Fernbeziehung hattet oder einfach Geschichten mögt, die sich Zeit nehmen, um Gefühle wachsen zu lassen.

Fazit

„Yamada und Kase‑san“ ist eine warmherzige, ruhige und authentische Girls‑Love‑Serie, die euch mit sanften Emotionen, liebevollen Zeichnungen und realistischen Herausforderungen abholt. Sie zeigt, wie schwer und gleichzeitig schön es sein kann, eine Beziehung im neuen Lebensabschnitt weiterzuführen.

Wenn ihr Romance ohne Drama‑Overkill mögt, dann ist dieser Manga ein echtes Wohlfühl‑Highlight.

Wie steht ihr zu Fernbeziehungen in Manga? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr Lust auf eine Mischung aus Schulalltag, göttlicher Mythologie, Humor und einer ordentlichen Portion Chaos habt, dann ist „The Serpent Bride“ (白蛇のはなむこ) von Morohe Yoshida genau der Titel, der euch überraschen wird. Der Manga erscheint bei Egmont und verbindet klassische Romance‑Elemente mit einer übernatürlichen Wendung, die so unerwartet wie unterhaltsam ist.

Der Zeichenstil ist verspielt, detailreich und bietet viele charmante Perspektiven – perfekt für alle, die humorvolle Fantasy mit Ecchi‑Elementen mögen, ohne dass es zu explizit wird.

Die Geschichte von The Serpent Bride

Tsubaki Niizuma ist ein Pechmagnet. Egal, wer in seiner Nähe ist – irgendetwas geht schief. Kein Wunder, dass er sich entschieden hat, keine Freunde zu haben. Fast keine … denn da ist Sakuya Tsukiyoshi, seine Kindheitsfreundin, die ihn seit dem Kindergarten begleitet. Sie ist schön, intelligent, selbstbewusst und ein echtes Ass im Kendo. Für Tsubaki ist sie unerreichbar – und doch hofft er insgeheim, dass sie sich an ihr altes Eheversprechen erinnert.

An einem gewöhnlichen Schultag warnt der Lehrer vor einem seltsamen Mann, der in der Gegend gesichtet wurde. Tsubaki begleitet Sakuya nach Hause, um sie zu schützen – auch wenn sie das eher andersherum sieht. Ihr Weg führt sie durch einen Park mit einem Schrein, an dem eine neue Schlangenstatue steht. Tsubaki hat es sich zur Aufgabe gemacht, sie täglich zu reinigen, weil sie immer wieder verschmutzt ist.

Doch dann werden die beiden plötzlich angegriffen. Sakuya wird schwer verletzt – und steht kurz darauf völlig gesund wieder auf. Sie erklärt dem fassungslosen Tsubaki, dass sie nun Byakuda sei, die weiße Schlange, gesandt von den Göttern.

Dass etwas nicht stimmt, merkt Tsubaki sofort. Byakuda holt den Angreifer ein und tötet ihn ohne Zögern. Am nächsten Morgen glaubt Tsubaki, alles sei nur ein Traum gewesen. Doch als Sakuya ihn abholt, fordert sie ihn auf, sie privat Byakuda zu nennen. In der Öffentlichkeit soll er sie weiterhin Sakuya nennen.

Byakuda verspricht, sein Unglück zu vertreiben – und tatsächlich scheint Tsubaki plötzlich vom Glück verfolgt zu sein. Doch während er sich über die Ruhe freut, wächst seine Sorge um Sakuya. Denn Byakuda hat zwar ihre Erinnerungen, aber nicht ihre Persönlichkeit. Sie gibt das geliebte Kendo auf, ist aggressiv gegenüber jedem, der ihnen zu nahe kommt, und klammert sich regelrecht an Tsubaki.

Gleichzeitig verwöhnt sie ihn, überschüttet ihn mit Aufmerksamkeit und hat keinerlei Scham, intime Details aus Sakuyas Leben auszuplaudern. Für Tsubaki ist das alles ein emotionales Chaos: Er liebt Sakuya – aber Byakuda ist nicht Sakuya. Und je mehr Zeit vergeht, desto klarer wird, dass Byakuda nicht die einzige göttliche Präsenz ist, die Menschen übernehmen kann.

Der Manga erzählt von einem Jungen, der versucht, seine Freundin zurückzubekommen, während ein göttliches Wesen ihren Körper bewohnt und sein Leben komplett auf den Kopf stellt. Humor, Fantasy, Romantik und ein Hauch Ecchi verschmelzen zu einer Geschichte, die gleichzeitig süß, chaotisch und überraschend düster ist.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„The Serpent Bride“ lebt von seiner Dynamik. Tsubaki ist ein liebenswerter, etwas überforderter Protagonist, der ständig zwischen Pech, Glück und göttlichem Wahnsinn hin‑ und hergerissen wird. Seine Gefühle für Sakuya sind ehrlich und warm, und genau deshalb trifft ihn die Veränderung so hart.

Byakuda hingegen ist eine Naturgewalt: direkt, körperlich, unerschrocken und völlig frei von menschlicher Zurückhaltung. Ihre Art sorgt für viele humorvolle Momente, aber auch für emotionale Konflikte, die der Geschichte Tiefe verleihen.

Der Zeichenstil von Morohe Yoshida ist ein echtes Highlight. Die Panels sind detailreich, die Figuren ausdrucksstark, und die Mischung aus Humor, Action und Ecchi ist visuell sehr ansprechend umgesetzt. Besonders Fans von verspielten, leicht sexy Illustrationen kommen hier auf ihre Kosten – ohne dass es je zu explizit wird.

Was den Manga besonders macht, ist die unerwartete Wendung nach dem Angriff. Die Geschichte beginnt wie eine typische Schulromance, kippt dann aber in eine übernatürliche Richtung, die euch sofort fesselt. Die Spannung entsteht nicht nur durch die göttlichen Elemente, sondern auch durch die Frage, ob Tsubaki Sakuya jemals zurückbekommen kann – und was Byakuda wirklich will.
Der Auftaktband macht unglaublich viel Spaß. Er ist witzig, überraschend, manchmal chaotisch und emotionaler, als man zunächst erwartet. Das Ende sorgt für einen kleinen Schockmoment und macht neugierig auf die kommenden Bände.

Die Reihe läuft in Japan noch, und es ist spannend zu sehen, wohin sich die Geschichte entwickelt. Besonders, weil immer mehr göttliche Wesen auftauchen könnten, die das fragile Gleichgewicht zwischen Mensch und Mythos durcheinanderbringen.

Fazit

„The Serpent Bride“ ist ein energiegeladener, humorvoller und überraschend emotionaler Manga, der euch mit einer Mischung aus Schulalltag, Mythologie und göttlichem Chaos begeistert. Die Figuren sind liebenswert, die Wendungen unerwartet und der Zeichenstil ein echter Hingucker.

Wenn ihr Lust auf eine Fantasy‑Romance habt, die euch zum Lachen bringt und gleichzeitig neugierig auf mehr macht, dann solltet ihr unbedingt reinschauen.

Wie steht ihr zu Geschichten, in denen ein göttliches Wesen den Alltag komplett auf den Kopf stellt? Wir freuen uns auf eure Gedanken.

Wenn ihr die Welt von Arifureta liebt, aber euch schon immer gefragt habt, wie alles vor Hajimes Geschichte begann, dann ist „Arifureta – Der Kampf zurück in meine Welt - Zero“ (ありふれた職業で世界最強 零) genau der Titel, der euch Antworten liefert. Das Spin‑off stammt aus der Feder von Ryo Shirakome, während Ataru Kamichi mit einem dynamischen, klaren Zeichenstil überzeugt, der Fans der Hauptreihe sofort vertraut vorkommt.

Veröffentlicht wird die Serie von altraverse, und sie ist in acht Bänden abgeschlossen – perfekt für alle, die eine kompakte, aber intensive Ergänzung zur Hauptstory suchen.

„Arifureta Zero“ erzählt die Vorgeschichte der legendären Labyrinth‑Erbauer und zeigt, wie ihre Schicksale miteinander verwoben wurden, lange bevor Hajime überhaupt in diese Welt gelangte. Für Fans der Reihe ist das ein emotionaler Blick hinter die Kulissen, für Neueinsteiger ein düsterer, spannender Einstieg in ein komplexes Fantasy‑Universum.

Die Geschichte von Arifureta Zero

Im Mittelpunkt steht Oscar, ein junger Synergist, der die seltene Fähigkeit besitzt, aus Schrott funktionierende Gegenstände zu reparieren oder sogar komplett neue zu erschaffen. Sein Talent ist so außergewöhnlich, dass Schmied Orkus ihn direkt aus dem Waisenhaus in seine Werkstatt holt. Doch obwohl Oscar seine Fähigkeiten stetig verbessert, weigert er sich, sie öffentlich zu zeigen.

Der Grund ist simpel: Er will nicht gezwungen werden, Waffen herzustellen. Und er will erst recht nicht von Adeligen oder der Kirche verschleppt werden, um für sie zu arbeiten. So lebt er im Schatten, wird von vielen als „der Waise, der auf Orkus’ Kosten lebt“ abgestempelt und versucht, möglichst unauffällig zu bleiben.

Doch eines Abends ist im Waisenhaus alles anders. Die Kinder und die Heimleiterin sind verschwunden – stattdessen wartet dort ein seltsames Mädchen: Miledi. Sie provoziert Oscar, neckt ihn und scheint genau zu wissen, wer er ist. Zwar stellt sich die Situation als Scherz der Kinder heraus, doch Miledi ist tatsächlich wegen Oscar gekommen.

Sie hat erkannt, dass er göttliche Magie beherrscht. Seine Schutzbarriere um das Waisenhaus ist stärker als die der meisten Adelshäuser. Und genau solche Menschen sucht Miledi für ihre Organisation, die sich gegen die allmächtige Heilige Kirche stellt.

Denn die Kirche kontrolliert die Welt. Sie entscheidet über Kriege, über Leben und Tod, über Wahrheit und Lüge. Alles, was ihr nicht passt, wird ausgelöscht – selbst wenn dafür tausende Unschuldige sterben müssen. Miledi hat diese Grausamkeit erlebt und will die Macht der Kirche brechen.

Oscar hingegen will nur seine Ruhe. Er schickt sie weg, doch Miledi taucht am nächsten Tag erneut in der Werkstatt auf. Und am Tag danach wieder. Sie dringt langsam, aber unaufhaltsam in sein Leben ein. Stück für Stück erzählt sie ihm ihre Geschichte, ihre Verluste, ihre Ziele.

Währenddessen spürt Oscar, dass die Welt um ihn herum viel dunkler ist, als er wahrhaben wollte. Und dass er vielleicht doch eine Rolle in diesem Kampf spielt – ob er will oder nicht.

„Arifureta Zero“ zeigt eine Welt, die von Unterdrückung, Manipulation und religiöser Macht geprägt ist. Gleichzeitig erleben wir die ersten Funken der Rebellion, die später zur Erschaffung der Labyrinthe führen wird. Die Konflikte, die Emotionen und die Entscheidungen, die Oscar und Miledi treffen, sind der Grundstein für alles, was Hajime später erwartet.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

Dieses Spin‑off ist mehr als nur ein Zusatz zur Hauptreihe. Es ist ein emotionaler, düsterer und gleichzeitig faszinierender Blick in die Vergangenheit. Ihr lernt Figuren kennen, die in der Hauptstory oft nur angedeutet wurden – und plötzlich versteht ihr, warum sie so handeln, wie sie handeln.

Besonders spannend ist, wie Oscar und Miledi charakterisiert werden. Oscar ist zurückhaltend, vorsichtig und will eigentlich nur ein friedliches Leben. Miledi hingegen ist laut, frech, unberechenbar – und gleichzeitig zutiefst verletzt. Ihre Dynamik ist einer der stärksten Punkte des Bandes.

Der Zeichenstil von Ataru Kamichi ist klar, dynamisch und typisch für Arifureta: starke Kontraste, ausdrucksstarke Gesichter, detailreiche Action. Fans wissen genau, was sie erwartet, und Neueinsteiger bekommen einen guten Eindruck davon, warum die Reihe so beliebt ist.

Inhaltlich ist „Arifureta Zero“ besonders dann stark, wenn ihr die Hauptreihe bereits kennt. Viele Szenen wirken intensiver, weil ihr die späteren Prüfungen im Labyrinth im Hinterkopf habt. Ihr erkennt Muster, Vorboten und emotionale Verbindungen, die euch beim Lesen der Hauptstory vielleicht entgangen sind.

Wenn ihr euch fragt, in welcher Reihenfolge ihr lesen solltet:

Erst Arifureta, dann Arifureta Zero.
So entfaltet das Spin‑off seine volle Wirkung.

Fazit

„Arifureta Zero“ ist ein starkes, atmosphärisches Spin‑off, das die Welt von Arifureta erweitert und vertieft. Es zeigt die Ursprünge der Labyrinth‑Erbauer, die Grausamkeit der Heiligen Kirche und die ersten Schritte einer Rebellion, die später alles verändern wird.

Für Fans ist es ein Muss, für Neueinsteiger ein spannender Einstieg in ein komplexes Fantasy‑Universum.

Wie steht ihr zu Spin‑offs? Lest ihr sie lieber vorher oder nach der Hauptreihe? Teilt eure Meinung gern mit uns.

Wenn ein Manga es schafft, euch schon auf den ersten Seiten mit einer Mischung aus Wärme, Magie und einem Hauch Nostalgie zu packen, dann wisst ihr: Hier wartet etwas Besonderes. Genau das gelingt „Fukuneko“ (ふくねこ) von Mari Matsuzawa, veröffentlicht bei CARLSEN. Die Serie begleitet eine Geschwistergruppe, die nach einem abrupten Einschnitt in ihrem Leben in ein kleines Dorf zieht – und dort auf ein Geheimnis stößt, das so sanft wie überraschend ist.

Für alle, die Geschichten über Neuanfänge, Familie und mystische Wesen lieben, ist dieser Titel ein echtes Geschenk. Und ja: Katzenfans kommen hier voll auf ihre Kosten.

Die Geschichte von Fukuneko

Die Geschwister Yoto, Ako und Runa stehen plötzlich ohne ihre Eltern da. Niemand weiß, wohin sie verschwunden sind, und so landen die drei bei ihrer Großmutter im abgelegenen Ort Fukoneko. Dort dürfen sie ein kleines Haus beziehen, das schon seit Generationen in Familienbesitz ist. Während Runa – die Älteste – sich sofort wieder in ihre Arbeit als Mangaka stürzt, versucht Yoto, der jüngere Bruder, die neue Umgebung zu erkunden. Er entdeckt einen alten Wald, der ihn sofort fasziniert. Nur Ako fühlt sich verloren und würde am liebsten zurück nach Tokio zu ihrer Freundin Haru.

Doch dann passiert etwas, das alles verändert: Ein kleines Mädchen taucht plötzlich auf, schmiegt sich an Ako und futtert genüsslich die Daifukus, die auf einer Kommode stehen. Ako ist irritiert – und das nicht nur, weil das Mädchen aus dem Nichts zu kommen scheint. Noch seltsamer ist, dass alle anderen in dem Mädchen nur ein Kätzchen sehen.

Die Großmutter erkennt das Tier sofort: Fuko, eine Katze, die einst der Urgroßmutter Umi gehörte. Ein Foto zeigt Umi mit einer Katze, die Fuko zum Verwechseln ähnlich sieht. Onkel Ichiro erklärt, dass sowohl Umi als auch Akos Mutter Fuko als kleines Mädchen gesehen haben – genau wie Ako jetzt.

Langsam begreifen die Geschwister, dass Fuko kein gewöhnliches Tier ist, sondern ein Naturgeist, der seit Generationen mit ihrer Familie verbunden ist. Fuko schafft es, Ako zu beruhigen und ihr die Angst vor der neuen Umgebung zu nehmen.

Auch in der Schule hat Ako es zunächst schwer. Ihre Unsicherheit wird als Arroganz missverstanden. Doch dank kleiner Geschenke, die Fuko heimlich in ihre Schultasche legt, taut die Klasse auf. Ako findet Anschluss – und erkennt, dass Fuko nicht die einzige Katze ihrer Art ist.

„Fukuneko“ erzählt eine Geschichte über das Ankommen, über Mut, über das Öffnen des eigenen Herzens und über die Magie, die in kleinen Momenten steckt. Und natürlich über Katzen, die alles andere als gewöhnlich sind.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Fukuneko“ ist einer dieser Titel, die euch mit einem warmen Gefühl zurücklassen. Die Mischung aus ländlicher Idylle, mystischen Elementen und familiären Themen funktioniert unglaublich gut. Ihr begleitet die Geschwister beim Neuanfang, spürt ihre Unsicherheiten, ihre kleinen Siege und die wachsende Bindung zu Fuko.

Besonders schön ist, wie der Manga zentrale Botschaften vermittelt, ohne belehrend zu wirken. „Du bist gut so, wie du bist“ und „Sei offen für Neues“ ziehen sich wie ein sanfter Faden durch die Kapitel. Die Geschichte zeigt, wie wichtig es ist, sich auf Veränderungen einzulassen – und dass Unterstützung manchmal aus den unerwartetsten Richtungen kommt.

Der Humor ist leicht, herzlich und nie übertrieben. Die magischen Elemente sind charmant und liebevoll eingebettet. Und ja: Die Kätzchen sind ein absoluter Zuckerschock. Wer Tiere liebt, wird hier mehrfach dahinschmelzen.

Auch grafisch überzeugt der Manga. Der Zeichenstil ist weich, detailverliebt und passt perfekt zur ruhigen, warmen Atmosphäre. Die Charaktere wirken lebendig, die Katzen sind unglaublich ausdrucksstark, und die Hintergründe transportieren das Gefühl eines kleinen, abgeschiedenen Dorfes, in dem die Zeit etwas langsamer vergeht.

Ob ihr schon lange Manga lest oder gerade erst einsteigt – „Fukuneko“ ist ein idealer Titel für alle Altersgruppen. Erwachsene finden hier Entspannung und Herz, jüngere Leser ein magisches Abenteuer voller Witz und Wärme. Und wer Katzen liebt, wird diesen Manga sowieso verschlingen.

Fazit

„Fukuneko“ ist eine liebevolle, magische Serie, die euch mit offenen Armen empfängt. Sie zeigt, dass Geschichten nicht düster oder komplex sein müssen, um zu berühren. Manchmal reicht ein Dorf, eine Familie und ein kleines Katzenmädchen, um euch ein Lächeln ins Gesicht zu zaubern.

Teilt gern eure Meinung: Wie gefallen euch magische Slice-of-Life-Geschichten? Und habt ihr schon einmal einen Manga gelesen, in dem Katzen so außergewöhnlich dargestellt wurden?

„Nausicaä aus dem Tal der Winde“ (の谷のナウシカ) gehört zu den Werken, die man nicht einfach liest, sondern erlebt. Geschaffen von Hayao Miyazaki, veröffentlicht bei Carlsen, entfaltet sich hier ein Manga‑Epos, das weit über seine Entstehungszeit hinausreicht. Viele kennen vielleicht den Anime, doch der Manga geht tiefer, ist komplexer, politischer und emotionaler. Es handelt sich nicht um einen kurzen Einzelband, sondern um eine vielschichtige Serie, die Miyazaki über Jahre hinweg gezeichnet und erzählt hat. Und genau diese Tiefe macht den Manga bis heute zu einem der bedeutendsten Werke der modernen Comic‑Kultur.

Wenn ihr auf animeszene.de unterwegs seid, wisst ihr, dass wir nicht einfach nur Rezensionen schreiben. Wir tauchen ein, analysieren, diskutieren und geben euch ehrliche, individuelle Einblicke. Genau das wollen wir auch hier tun – und euch gleichzeitig daran erinnern, dass wir neben unseren Reviews auch exklusive Itasha‑Designs gestalten, professionell folieren und eure Ideen in maßgeschneiderten Auftragsarbeiten umsetzen.

Die Geschichte von Nausicaä aus dem Tal der Winde

Die Erde ist nicht mehr die Welt, die wir kennen. Nach den „Sieben Tagen des Feuers“, einem apokalyptischen Krieg, in dem mechanische Titanen entfesselt wurden, ist die Menschheit an den Rand des Aussterbens gedrängt. Giftige Riesenpilze haben die Landschaft überwuchert, und aus ihren Sporen steigt ein tödliches Miasma auf. Nur wenige Regionen sind noch bewohnbar, und eine davon ist das kleine, abgelegene Tal der Winde.

Hier lebt Nausicaä, die junge Prinzessin des Tals. Sie ist neugierig, mutig und besitzt eine ungewöhnliche Gabe: Sie versteht die Natur, selbst die riesigen Insekten des „Meers der Fäulnis“, besser als die meisten Menschen. Mit ihrem Fluggleiter, der Möwe, erforscht sie den gefährlichen Wald, um seine Geheimnisse zu entschlüsseln und vielleicht einen Weg zu finden, wie Mensch und Natur wieder in Einklang leben können.

Doch die Welt steht am Rand eines neuen Krieges. Als Nausicaä Zeugin wird, wie ein Flugschiff voller Flüchtlinge aus Pejite von Insekten angegriffen wird, verändert sich ihr Leben schlagartig. Unter den Toten befindet sich auch die Prinzessin von Pejite, die Nausicaä im Sterben einen geheimnisvollen Stein anvertraut. Dieser Stein wird zum Auslöser politischer Spannungen, denn kurz darauf landet ein Luftschiff aus Turomekia im Tal. Angeführt von Prinzessin Kushana fordern die Soldaten die Herausgabe des Steins – doch Nausicaä weigert sich.

Die Lage eskaliert, und das Tal der Winde wird gezwungen, Krieger für den Krieg gegen das Königreich Doruk zu stellen. Nausicaä entscheidet sich, selbst an der Spitze der Krieger zu reisen. Was folgt, ist eine Reise voller Konflikte, moralischer Entscheidungen und tiefgreifender Erkenntnisse über die Natur, die Menschheit und die zerstörerischen Muster, die sich immer wiederholen.

Miyazaki erzählt diese Geschichte mit einer emotionalen Wucht, die sich langsam entfaltet. Der Manga geht weit über die Handlung des bekannten Anime hinaus und zeigt politische Intrigen, ökologische Zusammenhänge und spirituelle Fragen, die heute – im Zeitalter von Klimawandel und Umweltzerstörung – aktueller wirken als je zuvor.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

Was „Nausicaä aus dem Tal der Winde“ so besonders macht, ist die Kombination aus epischer Erzählung, philosophischer Tiefe und einer Protagonistin, die nicht durch rohe Gewalt, sondern durch Empathie und Verständnis führt. Nausicaä ist keine typische Heldin. Sie ist verletzlich, zweifelnd, aber gleichzeitig entschlossen und voller Mitgefühl. Genau das macht sie zu einer der stärksten Figuren der Manga‑Geschichte.

Der Manga zeigt eine Welt, die an ihren eigenen Fehlern zugrunde geht, aber gleichzeitig Hoffnung birgt. Miyazaki stellt Fragen, die uns heute mehr denn je beschäftigen: Wie gehen wir mit unserer Umwelt um? Welche Verantwortung tragen wir gegenüber zukünftigen Generationen? Und wie viel Mut braucht es, um gegen Systeme anzutreten, die auf Angst und Macht basieren?

Auch visuell ist der Manga ein Erlebnis. Miyazakis Zeichenstil ist klar, atmosphärisch und voller Bewegung. Die Darstellung der Insekten, der Wälder und der zerstörten Landschaften wirkt gleichzeitig bedrohlich und faszinierend. Erotische Inhalte spielen hier keine Rolle, doch die emotionalen und visuellen Szenen sind eindrucksvoll und intensiv.

Für Fans des Anime lohnt sich der Manga besonders, weil er die Geschichte weit über die Filmhandlung hinaus erweitert. Wer nur den Film kennt, hat erst einen Bruchteil der Welt gesehen, die Miyazaki erschaffen hat.

Fazit

„Nausicaä aus dem Tal der Winde“ ist ein zeitloses Werk, das euch nicht nur unterhält, sondern zum Nachdenken bringt. Es ist ein Manga, der zeigt, wie stark Geschichten sein können, wenn sie Herz, Vision und eine klare Botschaft vereinen. Wenn ihr Lust habt, über Umweltthemen, starke Charaktere und epische Welten zu diskutieren, dann ist dieser Titel genau das Richtige für euch.

Wie seht ihr das? Habt ihr den Manga gelesen oder kennt ihr nur den Anime? Lasst uns darüber sprechen – eure Meinung interessiert uns wirklich.

„Ruf den Namen der Nacht!“ (夜の名前を呼んで) von Tama Mitsuboshi erscheint bei TOKYOPOP und bringt euch eine leise, aber emotional starke Fantasy-Geschichte, die sich irgendwo zwischen Märchen, innerem Drama und zarter Hoffnung bewegt. Es handelt sich um eine Serie, die euch nicht mit Action überrollt, sondern euch langsam in ihre Welt hineinzieht. In dieser Review schauen wir uns an, was diesen Manga besonders macht, warum er sich von vielen anderen Fantasy-Titeln abhebt und wieso er gerade für Leserinnen und Leser spannend ist, die Geschichten mit Gefühl, Symbolik und einem Hauch Melancholie lieben. Auf animeszene.de erwarten euch wie immer ausführliche, individuelle Einblicke und Meinungen – und wenn ihr Lust auf mehr habt, findet ihr dort auch exklusive Itasha-Designs mit professioneller Folierung sowie maßgeschneiderte Auftragsarbeiten, die eure Vorstellungen auf die Straße bringen.

Die Geschichte von „Ruf den Namen der Nacht!“

Im Mittelpunkt von „Ruf den Namen der Nacht!“ steht die junge Mira Howley, ein Mädchen mit einer seltenen und zugleich belastenden Besonderheit: Immer dann, wenn sie sich einsam oder ängstlich fühlt, breitet sich um sie herum die Nacht aus. Diese Dunkelheit ist nicht nur ein inneres Gefühl, sondern wird in ihrer Welt real – die Nacht folgt ihr wie ein Schatten, ausgelöst durch ihre Emotionen. Dadurch wird ein normales Leben für sie fast unmöglich, denn jede Unsicherheit, jeder Moment der Verlassenheit kann alles um sie herum in Dunkelheit tauchen.

Meister Rei Riegel, ein ruhiger, besonnener Heiler aus dem Sternenland, nimmt sich Mira an. Er glaubt, ein Heilmittel für ihre „Nachtkrankheit“ finden zu können, doch dafür muss Mira ihr bisheriges Leben hinter sich lassen und zu ihm nach Alnyre ziehen. Dort beginnt für sie ein neuer Alltag, der zunächst ungewohnt und anstrengend ist. Rei erkennt schnell, dass Mira vor allem eines braucht: Sicherheit und Nähe. Er möchte, dass sie früh mit ihm aufsteht, gemeinsam frühstückt und den Tag nicht allein beginnt. Denn genau diese Einsamkeit ist der Auslöser ihrer Krankheit – und die will er ihr Schritt für Schritt nehmen.

Als ein Sternenschauer angekündigt wird, nimmt Rei Mira mit hinaus ins Sternenland, um fallende Sterne zu sammeln. Für ihn ist das Routine, für sie ein magischer Moment. Gemeinsam füllen sie Eimer mit funkelnden Sternen, aus denen Rei die berühmte Sternenmarmelade kochen will, für die das Sternenland bekannt ist. Doch nicht alle Sterne sind gleich: Neben den normalen Sternen gibt es sogenannte Wandelsterne, die die Herzen der Menschen in sich tragen. Sie sind schwerer und müssen aussortiert werden, denn für die Marmelade dürfen nur die normalen Sterne verwendet werden.

Mira ist neugierig und schlägt vor, auch aus den Wandelsternen Marmelade zu kochen. Rei zögert, denn er weiß nicht, was passieren würde – niemand hat es je ausprobiert. Er verschiebt das Experiment auf später, doch ein Wandelstern rutscht unbemerkt in die Mischung. Als Mira von der Marmelade probiert, wird sie sofort benommen und wirkt wie betrunken. Rei bringt sie ins Bett und entscheidet, dass sie aus Wandelsternen besser keine Marmelade mehr kochen sollten.

Kurz darauf taucht Cartos auf, ein ehemaliger Studienkollege von Rei. Während Rei Mira heilen möchte, sieht Cartos in ihr vor allem ein Forschungsobjekt. Er interessiert sich für ihre Krankheit, aber nicht aus Mitgefühl, sondern aus wissenschaftlicher Neugier. Um ihre Nachtkrankheit zu verstehen, will er sie bewusst in Situationen bringen, in denen sie sich einsam und ängstlich fühlt. Damit riskiert er, dass all das, was Mira mit Rei mühsam aufgebaut hat, wieder ins Wanken gerät.

Der Manga erzählt von einem Mädchen, das lernen muss, mit einer seltenen Krankheit zu leben, die untrennbar mit ihren Gefühlen verbunden ist. Freude, Nähe und Geborgenheit halten die Dunkelheit zurück, doch eine echte Heilung scheint zunächst nicht in Sicht. Gerade als Mira beginnt, Vertrauen zu fassen und sich in ihrem neuen Leben sicherer zu fühlen, bringt Cartos’ Auftauchen ihre fragile Stabilität ins Wanken und weckt alte Ängste.

Was die Geschichte ausmacht und warum ihr sie lesen solltet

„Ruf den Namen der Nacht!“ ist kein lauter Manga. Er schreit euch nicht mit Action, Kämpfen oder dramatischen Wendungen an, sondern arbeitet mit leisen Tönen, emotionalen Nuancen und einer sehr persönlichen Perspektive. Wenn ihr Reviews und Rezensionen zu Fantasy-Manga sucht, die mehr sind als nur klassische Abenteuer, dann ist dieser Titel definitiv einen Blick wert.

Mira ist eine Figur, die man schnell ins Herz schließt. Sie ist verletzlich, unsicher und gleichzeitig neugierig auf die Welt. Ihre Krankheit ist nicht nur ein Fantasy-Element, sondern ein starkes Symbol für emotionale Verletzlichkeit, Einsamkeit und die Angst, anderen zur Last zu fallen. Rei bildet dazu den ruhigen Gegenpol: Er ist geduldig, fürsorglich und versucht, Mira nicht nur medizinisch, sondern auch emotional zu stabilisieren. Die Beziehung zwischen den beiden ist warm, behutsam und frei von übertriebenem Drama.

Cartos bringt eine ganz andere Energie in die Geschichte. Er steht für eine kalte, distanzierte Sicht auf Miras Zustand. Während Rei sie als Mensch sieht, betrachtet Cartos sie eher als Fall, als Rätsel, das es zu lösen gilt. Dadurch entsteht ein spannender Konflikt: Was ist wichtiger – wissenschaftliche Erkenntnis oder das Wohl eines einzelnen Menschen? Diese Frage schwingt im Hintergrund mit und macht die Story auch auf einer moralischen Ebene interessant.

Der Zeichenstil von Tama Mitsuboshi passt perfekt zur Stimmung des Mangas.

Was „Ruf den Namen der Nacht!“ besonders macht, ist die Art, wie er mit Themen wie Einsamkeit, Angst und Hoffnung umgeht. Die Krankheit ist nicht einfach ein Plot-Element, sondern eng mit Miras innerem Zustand verknüpft. Sie muss lernen, sich selbst zu vertrauen, Nähe zuzulassen und zu akzeptieren, dass sie nicht allein ist. Das macht die Geschichte gerade für Leserinnen und Leser spannend, die sich für emotionale, symbolische Erzählungen interessieren.

Fazit

„Ruf den Namen der Nacht!“ ist ein stiller, aber eindrucksvoller Manga, der euch mit seiner Mischung aus Magie, Melancholie und Hoffnung berühren kann. Wenn ihr Fantasy-Geschichten mögt, die sich Zeit nehmen, ihre Figuren zu entwickeln, und wenn ihr Rezensionen schätzt, die nicht nur die Handlung, sondern auch die Stimmung eines Werks einfangen, dann solltet ihr diesem Titel eine Chance geben. Erzählt uns gerne in den Kommentaren, wie euch die Atmosphäre, die Figuren und die Symbolik gefallen haben. Fühlt ihr euch von solchen leisen, emotionalen Geschichten angesprochen – oder bevorzugt ihr eher laute, actionreiche Titel? Wir sind gespannt auf eure Meinung.